Как отличить шедевр от детского лепета?
У детей бывают шедевры. Мне вот звонил Паруйр Давтян, и его ребенок, увидев работу на «Закрытой рыбной выставке», сказал, что они в детском саду такие же делают. Высокое искусство достигает вершин в детском лепете, как у Пикассо. Самое ужасное, когда человек вырастает и начинает отработку технических средств, пытается воспроизвести либо детские свои образы, начинает учиться в школе.
Очень классные работы, детские рисунки Эрвина Вурма, удивительные рисунки. Проще всего, конечно, говорить про Пикассо: он освободился от всех зажатостей, от лишних линий и в своем творчестве дошел до состояния ребенка. Еще посмотрите детские рисунки Вима Дельвуа, тоже очень любопытные. И очень часто детские рисунки выглядят убедительней, чем какая-то вымученная работа взрослого художника, который боится сделать лишний шаг.
3D-реконструкция работы «Сумерки в Оранжерейном» Елагиной и Макаревича
Поп-ирония 2000-х
На смену аскетичным 1990-м приходят нулевые. Гламур в эпоху постиронии превратился в поп-арт-объект в масштабах индустрии. Во время пандемии в обществе потребления главное — стабильность. Кому нужна золотая Кейт Мосс Марка Куина, если есть фальшивая грудь Schiaparelli и #metoo? Искусство волатильно. Сумка Hermès Kelly — вечна. Выбор между крупногабаритными «бусами» Жана-Мишеля Отоньеля и сверкающей игрушкой Jil Sander очевиден.
1 / 3
«Сирена» из серии «Сфинкс», Марк Куинн, 2008;
Schiaparelli осень-зима 21/22
«Экстатический автогенез Памелы», Марк Куинн, 2010;
Schiaparelli осень-зима 21/22
Скульптура, Жан-Мишель Отонель, 2017;
Jil Sander осень-зима 21/22
Чтобы прикоснуться к прекрасному, не нужно идти в музей. К тому же во многих странах они все равно закрыты. Теперь универмаги тоже допустимо назвать храмом искусства, ведь на вешалках можно встретить шедевры. К примеру, поближе познакомиться с живописью поп-арт-художника Джеймса Розенквиста. Креативный директор Lanvin Бруно Сиалелли использовал его работу для принта в новой коллекции.
1 / 2
Gears, Джеймс Розенквист, 1977;
Lanvin осень-зима 21/22
«Плуто и Прозерпина», Джефф Кунс, 2010-2013;
Balmain осень-зима 21/22
Совриск: что, где и когда
Нынешнее искусство создаётся здесь и сейчас, это отражение нашей действительности, это те чувства и эмоции, которые передаёт автор, реагируя на события. Возможно, именно поэтому современное искусство так остро воспринимается публикой — не все готовы анализировать свою эпоху.
Сегодня не обязательно писать картины: художник может создавать перформансы и акции, снимать клипы и разрисовывать стены — все это и многое другое и есть современное искусство.
Вспомните Марину Абрамович (сербская художница, её называют бабушкой перформанса) и её шестичасовую работу «Ритм 0». Идея эксперимента — в течение 6 часов она позволяла разным людям обрести полную власть над её телом. В эту власть входили такие предметы как: нож, заряженный пистолет, яблоки, фонарик, хлыст, ножницы, хлеб, черная шляпа и виноград. Посетители могли использовать любой из представленных предметов. Марина была тем самым холстом, объектом, а зрители были художниками, которые вошли в азарт и начали творить немыслимые вещи.
Сотворить заново!
Ребята-модернисты всегда были
рисковыми людьми и ходили на грани эстетически приемлемого. В своем творчестве
они использовали разные методы, которые мы наблюдаем и по сей день в
современном искусстве:
- в ход шли шутки, каламбуры, скандалы, сексуальные намеки;
- в работах использовались всевозможные предметы – бытовые инструменты, вещи, обрывки газет, канцелярия и прочие, которые преподносились как произведения искусства;
- смело использовались яркие краски;
- на первое место ставилось не визуальное восприятие, а интеллектуальные и концептуальные идеи;
- развивались разные типы искусства – коллажи, фотография, анимация.
Краснодар
Краснодар — дом многих известных художников, в том числе Людмилы Барониной, Валерия Пчелина, Владимира Колесникова, Владимира Мигачева, а также участников группировки ЗИП, которые вместе с куратором Еленой Ищенко делают самую мощную и прогрессивную в России самоорганизацию — Центр современного искусства «Типография». Сюда следует приходить на выставки, а также можно поддержать ежегодный аукцион, сделав ценное приобретение современного искусства. Из дополнительной программы посетите парк «Краснодар» (в народе парк Галицкого): здесь хорошая архитектура, иногда бывают кинопоказы, а еще вы сможете увидеть впечатляющие арт-объекты группы Recycle.
Почему современное искусство стоит намного дороже последнего iPhone?
Дело в том, что есть искусство, которое ничего не стоит, а есть искусство, которое может стоить и пять тысяч рублей, зависит от художника, от способов производства искусства, тиражирует он его или нет. А по поводу того, что искусство стоит дороже, чем iPhone, ну оно так и должно стоить, даже в 10–15 раз дороже, потому что в него вложено много труда, смыслов, хотя и iPhone можно рассматривать как тиражное произведение искусства. Если бы iPhone был сделан в одном экземпляре и хранился бы в частной коллекции, то он бы стоил очень дорого. Кстати, все равно совокупная стоимость тиража новых айфонов не сравнится ни с одним произведением искусства. Это настоящая техногенная корпорация, которая захватила планету, а искусство присутствует только в уникальных ситуациях, оно эксклюзивно. А еще iPhone – это вещь, она имеет практическое применение, а искусство его не имеет, так что их невозможно сравнивать.
Что вообще называют современным искусством?
Современным искусством называют то, что художники называют современным искусством
Есть такая версия, что, если художник сказал, что это современное искусство, неважно, что, будь то дохлая рыба или накрученная инсталляция, – это современное искусство. И по сути, зрители, профессиональное сообщество дальше уже подтверждают или опровергают это
Нельзя просто назвать что-то современным искусством. Это составная вещь современного искусства. И уже потом история показывает, был ли тот или иной объект современным искусством или он, скорее, относился к будущему времени.
Дмитрий Хворостов и Ян Гинзбург
В чем ценность современного искусства
Массовое искусство может нравиться публике и, следовательно, хорошо финансироваться — кураторы приводят в пример шоу «Ожившие полотна».
Современное искусство же может не быть популярным, но помогает понимать мир, объясняют эксперты. Это не только эстетическая, но и философская практика. Художник знает контекст истории искусств — авторов, с которыми он ведет диалог. И при этом он должен вести интеллектуальное общение со зрителями.
Художники видят то, что могут не замечать ученые. Например, в направлении net-арт разработали концепции, которые потом стали частью программирования и способствовали развитию интернета, говорит Антонио Джеуза.
Своеобразный «знак качества» как для классического, так и для современного искусства — музей. Причем скорее государственный: частные музеи часто подчинены логике коллекционера, уточняет Джеуза. Попав в коллекцию Пушкинского музея, «Третьяковки», Эрмитажа, Помпиду, Тейт, произведение приобретает культурное бессмертие. Даже если для художников была чуждой и враждебной концепция музея, как в случае с группой «Флюксус». Подробнее о технологиях в современном музее читайте здесь.
По мнению экспертов, искусство, которое создается прямо сейчас, должно пройти проверку временем. Кураторы и искусствоведы помогают отбирать то, что действительно ценно.
Следите за новыми эпизодами и подписывайтесь на подкаст на любой удобной платформе: Apple Podcasts, CastBox, «Яндекс.Музыке», Google Podcasts, Spotify и ВК Подкасты. А еще следите за нами в Telegram и Instagram «Что изменилось?» — там мы подробно обсуждаем то, что не успели проговорить в выпуске, и делимся интересными материалами по теме.
«Высоких» и «низких» жанров больше нет
Сто лет назад художникам стало тесно в рамках классической живописи. Они стали изобретать новые формы (инсталляция, перформанс) и заимствовать уже существующие (кинематограф и мультипликация). Одним нашлось место в арт-среде, а другим пришлось уйти в развлекательную индустрию. Произведения искусства смешались с продуктами индустрии, а художники — с руководителями производственного процесса. Если раньше искусство от не-искусства отделяли стены галерей и музеев, то теперь зрителю нужно проводить эту границу самостоятельно.
Единственным помощником в этом деле может служить «Авторская теория», предложенная французскими кинокритиками в пятидесятых. Согласно ей, кино (как и любой другой коллективный жанр) становится искусством (а не продуктом) только в том случае, если оно создаётся одним человеком — автором. При таком распределении сил уникальный стиль и взгляд художника становятся высшей ценностью, а съёмочная команда строго следует указаниям режиссёра, стараясь точно и адекватно воплотить его замысел.
Артхаусный фильм может быть снят на дешёвую цифровую камеру (как «Трахальщики мусорных бачков» Корина), в нём могут играть непрофессиональные актёры (как в «Идиотах» Триера), он может идти семь часов (как «Сатанинское танго» Белы Тарра) и нарушать правила драматургии (как «Бездельник» Линклейтера). Каждая из этих вольностей резонно бы нас возмутила в мейнстримном блокбастере, а в артхаусе мы с ними миримся: он художник, он так видит.
Помни, что кино (как и видеоигры) — это среда, а не строгий формат. В ней живут и развиваются идеи «основных» видов искусств: живописи (импрессионизм Уэса Андерсона, сюрреализм Дэвида Линча), литературы (абсурдизм Квентина Дюпье) и драматургии (триллеры Хичкока, разговорные драмы Люмета). Не подгоняй авторское кино под голливудские стандарты, — оно куда сложнее и разнообразнее.
Без названия, Кит Харинг, 1985
Модернизм: конец классической эпохи
Классическое искусство пало, когда появилась фотография. Мир больше не нуждался в детальной точности на картинах, потому что за это теперь отвечала фотография. Художники это отлично понимали, поэтому стали экспериментировать с сюжетами и формами.
В 1872 году Клод Моне пишет картину «Впечатление. Восходящее солнце». Работа поражает — картина слишком сильно отличается от того, что было прежде. Примерно так и зародилось первое модернистское направление импрессионизм.
Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце»
Импрессионисты первыми стали отходить от детальной точности, их главная задача — «увидеть мгновение» жизни и отразить своё настроение на полотне.
Импрессионизм — это легкость, блики, тёпло-холодные отношения света и тени, которые помогают запечатлеть само пространство и время.
Художников, которые старались совсем иначе создавать свои работы, становится больше. Они объединяются друг с другом в сообщества — зарождаются новые модернистские направления: кубизм, фовизм, супрематизм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, концептуализм.
Художники модернизма в прямом смысле видели, как мир меняется — появляются электричество, радио и телевидение. Эпоха сменяет другую буквально на глазах. Все эти изменения художники фиксируют на своих полотнах. Технологический прогресс сменяется двумя мировыми войнами, которые тоже «влияют» на тематическую повестку искусства.
Например, художники-кубисты старались передать эмоции через форму. Кубизм — это воплощение геометрических форм, узких сюжетов, угловатость и полное отсутствие реалистичности. В таком направлении центром выступает форма, она на холсте важнее цвета. Пабло Пикассо — главный представитель кубизма. Он говорил так: «Надо писать не то, что вижу, а то, что знаю». Острыми и где-то даже странными формами Пикассо показывал жизнь.
В 60-годы двадцатого века появляется новое направление — концептуализм. В этом течение смысл возвышается над формой. По оценкам многих критиков, в это время и началось развитие современного искусства. Часть арт-сообщества придерживается версии, что современное искусство зародилось в 80-х годах, когда многие страны начали вступать в эпоху изменений и перемен.
Какие проблемы связаны с высокими технологиями в искусства
В России мало художников, которые хорошо разбираются в техническом оборудовании для своих работ, рассказывает Антонио Джеуза. Но и те, кто хотел бы создавать высокотехнологичные проекты, сталкиваются с рядом проблем.
То, какие технологии задействованы на выставке, зависит от финансовых возможностей проекта, говорит Светлана Тэйлор. Компании, которые продают технологии, не встроены в систему поддержки современного искусства. По словам куратора, для того, чтобы это происходило, нужно менять культурную политику.
Экспериментальные разработки требуют вложений. Но если в сфере энергетики, системе безопасности или работы с данными это обусловлено экономически, то современное искусство финансируется менее охотно, объясняют эксперты.
Есть и другие проблемы. Не хватает высокотехнологичных площадок, где можно было бы показывать проекты. При мэппинге нужно договариваться с местными властями, чтобы установить технику в городе, перекрывать улицы.
Постмодернизм и contemporary art
В конце 60-х годов XX века в России современное искусство продолжилось с привкусом постмодерна, а на Западе пришло contemporary art.
В этот период появляются аудио и видео технологии, потом компьютеры, а в 90-х годах начал захватывать власть интернет. Вместе с новыми технологиями появляются и новые направления, соответствующие эпохе – концептуализм, гиперреализм, минимализм, поп-арт, хеппенинг, перфоманс.
Джозеф Кошут «Один и три стула» 1965 г. (концептуализм)
Сегодня современное искусство поражает многообразием видов, порой даже шокирующих, о которых будет сказано далее. А пока разберемся в другом.
Супрематизм — основные характеристики
В творчестве супрематизма зритель видит простоту и лаконичность. Главный интерес художников-супрематистов состоял в поиске так называемой нулевой степени живописи, точки, за которой среда не могла выйти, не перестав быть искусством. Как следствие, в них использовались предельно простые мотивы, сюжеты и формы. Вся композиция сосредоточена на основных геометрических формах, таких как круги, квадраты, линии и прямоугольники, окрашенные в ограниченный диапазон цветов. По Малевичу, существует три уровня развития супрематизма: черный, цветной и белый. Черная фаза отметила начало движения, и нулевую степень живописи, пример известный Черный квадрат. Цветная стадия, иногда называют динамической , ориентирована на использование цвета и формы , чтобы создать ощущение движения в пространстве. Наконец, сам Малевич определил супрематизм как первенство чистого чувства в творчестве. Для супрематиста визуальные явления объективного мира сами по себе бессмысленны; значимая вещь — это чувство как таковое, совершенно отдельно от среды, в которой оно вызвано.
Что будет с современным театром в будущем
М. Д.: Если мы проследим за историей, то в XX веке в 20-е годы был момент всплеска; 30-е, 40-е, 50-е гораздо спокойнее, конвенциональнее. Еще один всплеск происходит в 60-е. После этого всплеска опять затишье. Следующий всплеск в нулевые годы. Сейчас я вижу, как всё идет на спад, начинаются повторы, не появляются великие имена — и это происходит много лет. Это не страшно, потому что в какой-то момент случится определенный всплеск. Это работает как приливы и отливы.
Думаю, что произойдет большая сегрегация, останется искусство в его более-менее конвенциональных формах, которые для меня уже помещены в область entertainment. Есть «театр поиска», в котором всё больше будут размываться границы между искусством и жизнью. Дальше будут размываться границы самого искусства, но они и без того размыты.
У театра и современного искусства есть та возможность, которой нет у кинематографа и литературы, — это жизнестроительство. Книга или кино этого не может, потому что запечатленная в них реальность — это фантомы. А театр здесь и сейчас, мы строим параллельные реальности и одновременно в них играем.
Д. О.: Мне кажется, что главное, куда мы идем, — это выход из театра и искусства рукотворного, сделанного руками и голосами. Нас полностью захватывает сфера цифрового, сделанного программистом. Технологии ведут нас вперед. Мы будем говорить, какой это ужас, как это бездушно и бездуховно, а следующее поколение просто будет в этом жить.
Представители и гибель движения
Среди известных представителей супрематизма — художники русского авангарда 1910-х, 1920-х и 1930-х годов, такие как Ксения Богуславская, Иван Клюн, Михаил Меньков, Иван Пуни, Эль Лисицкий и Ольга Розанова. Лисицкий особенно важен, потому что именно он сделал движение популярным на Западе. Этот художник также сотрудничал с представителями подобных движений, таких как De Stijl и Bauhaus. С середины 1920-х годов русский авангард (включая супрематизм) подвергался прямой и резкой критике со стороны коммунистических властей, поскольку социалистический реализм стал официальной политикой. Итак, большинство супрематистов сменили стиль.
Надежда Удальцова «Три фигуры», фрагмент, 1914 год
Деконструкция и многослойность
Наверное, у каждого есть стул с одеждой, который может ожить и начать самостоятельную жизнь. Возможно, он вдохновил Габриэлу Херст (Chloé), Марин Серр (Marine Serre), студентов французского института моды (IFM) и художника Микеланджело Пистолетто. «Венера в лохмотьях» — утренняя бытовая драма, знакомая каждому, и один из хитов итальянского нового бедного искусства arte povera.
1 / 3
Микеланджело Пистолетто.
«Венера в Лохмотьях». 1967, 1974 гг;
Marine Serre осень-зима 21/22
Chloé; IFM; Marni
Микеланджело Пистолетто.«Метаморфозы» 1976–2018;
Louis Vuitton осень-зима 21/22
Любопытный метод деконструкции использовали минималисты. Подобно хирургам, они отсекали все лишнее от объекта, превращая его в искусство. Иногда оставляли только цвет, лишая его внешней оболочки, как Марк Ротко. Бывало, что только форму, как Роберт Моррис. В его руках обычный серый фетр превращался в совершенную структуру. Результатов текстильных экспериментов Морриса хватит еще не на одну коллекцию Рика Оуэнса.
1 / 2
Скульптура из фетра без названия, Роберт Моррис, 1976;
Nina Ricci осень-зима 21/22
Скульптура из фетра без названия, Роберт Моррис, 1969;
Rick Owens осень-зима 21/22
Искусством может быть что угодно
Искусство в чистом виде — это всего лишь результат творчества. Оно не пытается вам ничего продать, выполнить какую-то другую задачу. Это очень личная, даже интимная вещь, не влезающая ни в какие рамки. Это «Мстителей» мы можем оценивать в индустриальных стандартах «качества», а всерьёз составлять «топ» акций Петра Павленского — затея бессмысленная. Но если ты назовёшь себя художником, а этот «топ» — концептуальным произведением, то тогда всё ок.
Художники столетиями следовали канонам: этническим, культурным, политическим; а потом пришли авангардисты и послали все правила к чёртовой матери. Бог в искусстве умер сотню лет назад, — теперь каждый сам себе его выдумывает и пытается обратить в свою веру окружающих. Современное искусство — бардак почище современной религии, в котором правда смешалась с ложью, а чистые гении — с шарлатанами и спекулянтами. Твоя задача — отыскать в этой мясорубке красоту, — иногда совершенно субъективную и непонятную другим, а иногда — простую и универсальную, как рэпер Фэйс.
Подходя к абстрактной картине или включая экспериментальный фильм, оставь в стороне свои представления о том, каким должен быть фильм или какой должна быть картина. Настоящее искусство никому ничего не должно, — оно существует ради самого творческого акта, иррационального и необъяснимого. Процесс его потребления — своего рода религиозный опыт: ты принимаешь условности, оставляешь в стороне логику и ждёшь в надежде, что тебя магическим образом «торкнет». Не торкнуло? Тогда критикуй художника, а не произведение: разберись, чего автор хотел добиться и почему у него не вышло. Но помни: ставить под сомнение сам факт искусства нельзя. Если художник назвал что-то своим произведением, то оно безоговорочно становится его произведением, — это аксиома contemporary art, которую невозможно опровергнуть.
Искусство — это всегда субъективность. Помни, что твоё представление о нём не может быть единственно верным, так что не ругай художника, если он ему не соответствует. Правило справедливо не только для «галерейного» искусства, но и для некоторых продуктов масскульта. Не так и сложно смириться с принципом «я художник, я так вижу», если дело происходит в претенциозной выставке с белыми стенами, но стоит нам сесть в диван и открыть баночку прохладного пивка перед телевизором, как внутренний потребитель тут же просыпается и начинает требовать крови.
«Мальчик и собака», Жан-Мишель Баския, 1982
Иммерсивное искусство в мире
Выставка «Эдвард Хоппер и американский отель» в Виргинском музее изящных искусств
2019–2020, США
Экспозиция была посвящена отелям в творчестве американского художника Эдварда Хоппера. На первый взгляд традиционная выставка – несколько десятков картин из галерей и частных коллекций, письма, дневники и путевые записки. А потом вы заходите в один из залов и обнаруживаете там воссозданный интерьер «Западного мотеля», в котором можно забронировать ночь – прямо как в настоящем.
Выставка работ Амедео Модильяни в галерее Тейт Модерн
2017–2018, Великобритания
Проект Modigliani VR: The Ochre Atelier с помощью технологии виртуальной реальности воссоздал парижскую мастерскую живописца Амедео Модильяни. Предметы (которых в комнате несколько десятков) не выдуманы организаторами экспозиции – они на самом деле находились в мастерской итальянского художника, это подтвердили историки искусства.
Выставка «Спальни ван Гога» в Чикагском институте искусств
2016, США
В детстве мы с друзьями очень хотели остаться на ночь в школе – казалось, что под покровом тьмы там происходит что-то необыкновенное. А как вам идея переночевать внутри картины? Экспозиция в Чикагском институте искусств впервые показала зрителями сразу все три версии полотна, на котором изображена комната Винсента Ван Гога в Арле. А вместе с Airbnb (онлайн-площадкой для размещения и поиска краткосрочной аренды частного жилья по всему миру) музей воссоздал интерьер этой комнаты в реальной квартире, которая располагалась неподалеку от института. Там можно было переночевать.
Картина Винсента Ван Гога «Спальня в Арле»
Art Institute of Chicago
Воссозданный в рамках выставки в Чикагском институте искусств совместно с Airbnb интерьер комнаты Винсента Ван Гога
Art Institute of Chicago
Вернемся к началу наших размышлений. Говоря о «количественном» росте искусства, мы уже постепенно начали затрагивать и «качественный» его рост (дело в том, что одно без другого практически не существует). То есть те самые новые технологии, которые выводят арт-объекты на другой уровень. Кроме того, они помогают авторам делиться своим творчеством. Например, у многих современных художников сейчас есть инстаграм-аккаунт с фотографиями работ и анонсами мероприятий.
Приводя примеры для каждой отдельной технологии, я пришла к важному выводу. Одна из ключевых черт «нового современного искусства» – это синтез
Становится все сложнее классифицировать художников и их работы, потому что они все чаще творят «на стыке». То есть каждая технология может применяться сама по себе, а может вместе с другими новыми инструментами и форматами. Например, проекция и объемный звук или видео и скульптура, еще бывает VR и холст – вариаций множество. Видимо, когда-нибудь мы придем к тому, что вся наша жизнь будет искусством – эдаким иммерсивным гиперреалистичным спектаклем.
Все же попробуем рассказать по отдельности о каждой технологии. При этом стоит помнить, что большинство из них как раз способствуют иммерсивности искусства.
Технологии и проблема авторства
Когда в начале XIX века изобрели фотографию, это вызвало в обществе ненависть и презрение. Эксперты говорят, что именно тогда техническое устройство впервые стало соавтором произведения. Оно эволюционировало до того, что сейчас оно есть в каждом смартфоне. Кажется, что со временем технология сможет заметить самого автора.
Раньше люди боялись фотоаппарата, будто он забирает души люди. Светлана Тэйлор замечает: сейчас похожее отношение к искусственному интеллекту. Люди боятся, что алгоритмы «украдут» у них способность что-то создавать.
Футурология
Машина-Да Винчи: будет ли искусственный интеллект креативнее человека
Искусственный интеллект создает человек. Оценивает работу алгоритмов, удивляется и пугается их совершенству также человеческий разум. Поэтому робот не заменит художника, думает Антонио Джеуза. Но искусственный интеллект становится отдельным направлением современного искусства.
